22/02/2023in Cine 0 Likes

5 Directores distintivos, parte 3

Los directores más idiosincráticos del cine (tercera parte)

Ahora es el turno de uno de los directores cuyo nombre está de más mencionar.

Stanley Kubrick fue uno de los cineastas más innovadores e influyentes del siglo XX, conocido por su atención al detalle, sus técnicas narrativas poco convencionales y su estilo visual único. Desde «Dr. Strangelove» hasta «El resplandor», las películas de Kubrick siguen cautivando al público por su atrevida narrativa, sus efectos visuales y sus poderosos temas.

Una de las señas de identidad del estilo cinematográfico de Kubrick era su uso de la cámara. Era conocido por utilizar ángulos y movimientos inusuales, y por experimentar con diferentes objetivos y técnicas de iluminación para crear un estado de ánimo o una atmósfera específicos. Por ejemplo, en «El resplandor», Kubrick utiliza una Steadicam para crear una sensación de desorientación y claustrofobia mientras Danny Torrance pedalea por los laberínticos pasillos del Hotel Overlook. La Steadicam sigue a Danny mientras recorre los pasillos, con la cámara siguiéndolo de cerca, creando una sensación de pesadez e inquietud.

El rodaje de la película «El resplandor» fue notoriamente difícil, con un calendario de producción largo y agotador que duró más de un año. Se le conocía por su meticulosa atención al detalle, las numerosas repeticiones de tomas y el largo calendario de rodaje pasaron factura al reparto y al equipo. El aislamiento del Timberline Lodge, en Oregón, también contribuyó a las dificultades del rodaje.

«El Resplandor» está llena de símbolos y significados ocultos, y Kubrick tenía cierta inclinación por una narrativa en capas. Muchos aficionados y estudiosos han analizado la película por su uso del color, las imágenes y las referencias a la mitología y la historia. Algunos incluso han sugerido que la película es un comentario sobre el genocidio de los nativos americanos o el Holocausto.

En «La naranja mecánica», Kubrick utilizó un objetivo gran angular para crear un efecto distorsionado, casi caricaturesco, durante las escenas violentas de la película. Esta técnica exagera la violencia y brutalidad de las escenas, haciéndolas aún más impactantes y perturbadoras.

Las películas de Kubrick también destacaban por su meticulosa atención al detalle. Era conocido por ser un perfeccionista en el set, a menudo haciendo docenas o incluso cientos de tomas para conseguir una escena perfecta. Esta dedicación al perfeccionismo dio sus frutos en sus películas, llenas de efectos visuales impresionantes e interpretaciones inolvidables. En «Full Metal Jacket», por ejemplo, Kubrick rodó toda la escena del campo de entrenamiento en un solo lugar, preparando cuidadosamente las tomas para crear una sensación de realismo y autenticidad.

Uno de los mejores ejemplos del inconfundible estilo cinematográfico de Kubrick es «2001: Una odisea del espacio». Esta épica película de ciencia ficción es famosa por sus innovadores efectos especiales, su imaginativa escenografía y sus impresionantes efectos visuales. Desde la secuencia inicial, que muestra el amanecer del hombre, hasta la alucinante secuencia de la «Puerta de las Estrellas», la película es una clase magistral de narración visual. La famosa secuencia de la «Puerta de las estrellas», en particular, es un deslumbrante despliegue de luz y color, con patrones caleidoscópicos y efectos visuales alucinantes que siguen hipnotizando al público.

Otro clásico de Kubrick es «Eyes Wide Shut», con sus característicos planos lentos y deliberados que crean tensión y suspense. En una escena, la cámara se acerca lentamente al personaje de Tom Cruise mientras camina por un pasillo oscuro, aumentando la sensación de peligro e incertidumbre.

Las películas de Kubrick a menudo desafiaban a la audiencia con sus narraciones poco convencionales y su atrevimiento narrativo. No le asustaba correr riesgos, y sus películas a menudo subvertían las convenciones del género y desafiaban expectativas. Esta voluntad de experimentar y traspasar los límites es parte de lo que hace que las películas de Kubrick sean atemporales e influyentes.

En conclusión, Stanley Kubrick fue un verdadero maestro del estilo cinematográfico, conocido por su innovador trabajo de cámara, su atención al detalle y su audaz narrativa. Sus películas siguen inspirando y cautivando al público, y su influencia puede verse en la obra de innumerables cineastas de hoy en día. Tanto si te gusta la ciencia ficción como el terror o la sátira, hay una película de Kubrick para todos nosotros.

21/02/2023in Cine 0 Likes

5 Directores distintivos, parte 2

Los directores más idiosincráticos del cine (segunda parte)

Para esta segunda parte analizaremos a aquellos cinematógrafos que se esperan hasta el proceso de posproducción para revelar su verdadero estilo, lo sacan por las orejas de una chistera. Como lo es Jan-Luc Godard quién forjó su nombre desde un inicio inventando el salto de cámara cuya marca registrada le pertenece, en contraparte tenemos a Zack Snyder, quién puede ser fácilmente identificado por la forma en la que utiliza las rampas de velocidad dentro de secuencias de acción.

En esta categoría podemos encontrar también a Martin Scorsese, cuya legendaria colaboración con Thelma Schumacher ha resultado en una carrera que abarca todo el vocabulario dentro del arte de la edición, con sus montajes y sus fotogramas congelados. Luego, por supuesto, tenemos a Tony Scott, quien subió al Monte Everest para editar algunos de los más extravagantes montajes de videos musicales justo en medio de secuencias de acción.

 

John Woo, Guy Ritchie y Sam Peckinpah también entran en esta categoría, pero si hay un director cuyas transiciones nos hacen prácticamente gritar su nombre, creemos que ese nombre sería el de Edgar Wright, no hay como un montaje a toda velocidad como los de Edgar.

Si vemos su trabajo en «Shaun of the dead» a manera de burlarse de las películas de acción, podremos apreciar como adapta la película a estas secuencias y no viceversa. En sus películas subsecuentes estas secuencias se amplían, como podemos observar en Hot Fuzz y Scott Pilgrim; estas secuencias por sí mismas podrían parecer más un chiste recurrente que un estilo cinematográfico. Pero si nos damos el tiempo de analizar Baby Driver una película en donde Wright no pudo resistirse a la tentación de darle vuelo a la hilacha y si después regresamos a ver sus trabajos anteriores, es imposible no comenzar a notar que estos momentos son los ejemplos más extremos de un verdadero e inevitable sello cinematográfico.

Edgar parece nadar siempre en aguas compuestas por musicalidad, ritmo y velocidad, hay una inmensa energía en cómo sus historias parecieran explota continuamente hacia adelante, dando saltos masivos en cada transición. Cada enfrentamiento, cada nuevo elemento que aparece en pantalla suena al ritmo de la música, editando de tal manera que la banda sonora está perfectamente sincronizada con la edición, que a su vez empata perfectamente con las acciones que vemos en pantalla. Cada corte o serie de cortes suenan como un tambor batiente y todo resuena de una manera tan única que pareciera eléctrico. Cuando cualquiera de sus cintas atraviesa la pantalla es imposible no saber quién está del otro lado.

 

16/02/2023in Cine 0 Likes

5 Directores distintivos, parte 1

Los directores más idiosincráticos del cine (primera parte)

Existen algunos directores cuyas películas puedes empezar a ver a la mitad sin absolutamente nada de información anticipada o algo de contexto y con tan sólo verlas por cinco segundos serías capaz de reconocer inmediatamente que existe algo sumamente específico y reconocible sobre su estilo cinematográfico… un algo que transpira a través de cada fotograma.

A continuación los directores que consideramos como los más reconocibles (no por ello los más reconocidos) de todos los tiempos:

Primero analizaremos directores cuya personalidad tiende a salir a flote mediante su cinematografía, seguramente este no es su único medio de expresión pero es definitivamente el más obvio.

Si es una toma larga, de más de cinco minutos de duración y la acción contiene una coreografía digna del ballet de Moscú, probablemente estemos frente a una película dirigida por Alfonso Cuarón.

Si todo el mundo parece estar mirando en la misma dirección, incluso cuando se ven el uno al otro de frente, probablemente estés viendo una película de Yasujiro Ozu.

Si un lente ancho gira alrededor de un personaje mientras este contempla estoico hacia la distancia… ¡Felicidades! Es una película de Michael Bay. Eso y explosiones al por mayor claro está.

Si estás viendo una película filmada con un alto sentido estético y donde cada toma contiene destellos de lentes por doquier… bueno, ya sabemos de quién se trata.

Spielberg filma sus películas con una hermosa puesta en escena y tomas secuenciales en una carretilla con personajes que se mueven entre distintas composiciones de escala, sus películas están fuertemente retroiluminadas, capturando los contornos.

Las películas de David Fincher están matizadas con un suave tono ámbar, un inmenso sentido visual, agudeza y una casi imposible precisión de cámara. Si eres un ávido amante del séptimo arte, probablemente también puedas diferenciar las películas de Tarsem Singh, Busby Berkeley, Paul Greengrass, Sergio Leone y Jean-Pierre Jeunet por su cinematografía, pero si existe un cineasta en el cual cada fotograma escurre su muy particular fetiche visual ese tiene que ser Gaspar Noé.

Lo que comenzó con una paleta de colores un poco intensa y una camara al acecho en “Seul contre tous” se convirtió en un saturado impresionante de deslumbramiento y un punto de vista salvaje. Estilo que marca a “Irreversible” y que finalmente floreció en un neón incesante, pulsante y una cámara flotante amarrada a un alma incorpórea que se mece hipnóticamente a través del espacio-tiempo en “Enter de void”. Sin embargo, en su cinta “Love” contó con una fuerte la iluminación, pero dio un paso hacia atrás respecto al manejo de cámara y nos hizo cuestionarnos elegirlo para esta sección; sin embargo, en su más reciente filme “Clímax” su estilo cinematográfico parece retornar a su forma, siempre justificado por la estética del ruido de la historia, el asombro y desorientación. Con esto cumple su estética de mostrarnos el mundo en una forma completamente nueva. Y a pesar de revelarse principalmente a través de su cámara, hay otras marcas más sutiles en juego como lo son los títulos estroboscópicos, los cortes parpadeantes, el sonido nauseabundo en donde cada uno de ellos traiciona a la cotidianidad con un irresponsable deseo de desorientar, repugnar e incomodar a su público.

Su trabajo es una provocación reaccionaria y violentamente estilística, pero también es increíblemente específico y en cierto modo limitado. Sus métodos no dejan duda que existe algo profundo y fundamental de él mismo incrustado en ellos.